Proprio in questa stagione, Sotheby’s Contemporary Art riunisce artisti epocali di oggi con formazioni sensazionali che puntano i riflettori non solo su artisti di alto profilo per INVESTIRE IN ARTE, ma anche su talenti emergenti che meritano l’attenzione dei collezionisti più esigenti. Come preludio all’attesissima serie di aste , abbiamo messo in evidenza gli artisti che sono pronti a diventare le future star dell’arte contemporanea.
Shara Hughes
Nota per le sue caleidoscopiche astrazioni di lune fluttuanti, alberi nodosi e luce solare splendente, le pennellate di Shara Hughes si muovono a ruota libera sulla tela in un buffet di colori.
L’artista con sede a New York, che ha conseguito un BFA presso la Rhode Island School of Design nel 2004 e ha frequentato la Skowhegan School of Painting and Sculpture nel 2011, ha una firma audace che risuona di toni drammatici e manifestazioni oniriche.
L’opera di Hughes annuisce con eguale spirito alle tavolozze profondamente sature dei primi impressionisti e all’immaginario psicologico più oscuro di artisti più recenti come Forrest Bess, Philip Guston e Dana Schutz.
Alla maniera di David Hockney e Charles Burchfield, ribalta le regole convenzionali di spazio e luce, trascinando l’osservatore in una tana sensoriale fatta di texture, pattern e prospettiva. Nel 2017, è stata annunciata come artista partecipante alla Biennale di Whitney.
Hughes ha attualmente opere in mostra al Metropolitan Museum of Art di New York, al Denver Art Museum e allo Smithsonian American Art Museum di Washington DC.
Tipsy (2016) di Shara Hughes è una cornucopia di colori che racchiude i molteplici mondi sovrapposti dell’artista.
In primo piano, una fronda arcuata di palma funge da pièce de résistance, mentre un cielo fuso riempie lo spazio al di là .
La composizione ha una qualità innocente rafforzata da motivi naturali che si scontrano e si fondono in modo stravagante, fondendosi l’uno nell’altro come nuvole nebulose.
Hilary Pecis
Le nature morte e i dipinti di paesaggi di Hilary Pecis ispirano una vibrante qualità da libro di fiabe, incarnando vignette domestiche e mercatini del fine settimana in cornici caratteristiche, colori vivaci e svolazzi.
Caratterizzata da oggetti riconoscibili, la sua arte respira un’aria à la Matisse, romanticizzando il quotidiano e avvolgendo l’osservatore in un’aura familiare.
Il nativo della California, che ha conseguito un BFA e un MFA presso il California College of the Arts di San Francisco, ha ospitato mostre personali in sedi prestigiose come il Rockefeller Center, New York; Timothy Taylor Gallery, Londra; Galleria degli Spurs, Pechino; La fossa, Los Angeles; e Galleria Guerrero, San Francisco. Ha anche partecipato a mostre collettive alla David Kordansky Gallery, Los Angeles; Il Progetto Nassima-Landau, Tel Aviv; il GANA Art Center, Seoul; e Museum of Modern Art, San Francisco.
Nel 2008, Pecis è stato insignito della Murphy and Cadogan Fellowship della San Francisco Arts Commission.
È la co-fondatrice di Binder of Women, un consorzio di artiste con sede a Los Angeles. Le sue opere sono conservate nelle collezioni pubbliche della Collezione Berezdivin, Porto Rico; Museo Budi Tek Yuz, Shanghai; Museo Zhuzhong, Pechino; Museo Li Lin JNBY, Hangzhou; Museo d’Arte Sifang, Nanchino; e New Century Art Foundation, Shanghai.
In Bazaar (2019), Hilary Pecis ravviva la magia di un mercato del fine settimana con un serraglio realistico che salta fuori dalla tela.
Il suo uso magistrale del motivo, combinato con la sua capacità di dare a ogni dettaglio un posto d’onore, consente al diorama di crogiolarsi in diversi stati d’animo a seconda di dove guardi.
Pecis ti invita a una fantasia, anche se solo per pochi minuti, per rivivere la gioia di un bazar da cartolina.
Issy Wood
I dipinti kafkiani di Issy Wood mettono persone e oggetti quotidiani in macabri avatar.
L’artista di origine americana, il cui stile allude al surrealismo, trova ispirazione in una galleria di oggetti lasciati in eredità dalla nonna materna, compresi i cataloghi d’asta dei decenni passati.
Wood si definisce una “millenaria medievale”, in riferimento alla sua interpretazione classica delle questioni moderne. Il suo tono aspro trae ispirazione da temi così iniqui come le donne che si confrontano con il consumismo, la mascherata materiale del patrimonio e la vita e la forma che appassiscono dopo la morte.
Cresciuta negli Stati Uniti, si è trasferita nel Regno Unito per l’istruzione superiore, conseguendo una laurea in Belle Arti e Storia dell’Arte presso Goldsmith’s nel 2015 e un Master presso la Royal Academy Schools nel 2018. Ha partecipato a mostre collettive molto acclamate al White Cube, Londra; Mendes Wood DM, Bruxelles; il Museo d’Arte Moderna, Varsavia; e Tate, St. Ives.
Nel 2019, Wood ha rivelato una serie di minuscoli ritratti a olio della leggendaria comica Joan Rivers e un’installazione di oltre 1.000 piastrelle per pavimenti dipinte a mano alla mostra World Receivers della Collezione Zabludowicz. Nello stesso anno, è anche salita sul palco con la sua più grande mostra personale fino ad oggi, intitolataAll The Rage , al Goldsmiths Centre for Contemporary Art di Londra.
A gennaio 2020 ha inaugurato la sua prima mostra personale con JTT, battezzata a prova di figlia , a New York.
In The Asp in Clasp (2018) , un cinturino dell’orologio strettamente avvolto con un quadrante assume una forma serpentina, mentre fili di fumo grigio sono altamente evocativi di paesaggi onirici e motivi surrealisti.
La sottile tavolozza di blu e grigio crea un effetto argento scintillante che colloca ulteriormente l’immagine nelle zone d’ombra tra la fantasia e la mente inconscia.
Tomokazu Matsuyama
Samurai psichedelici e cowboy stravaganti, Pop art e manga, Espressionismo astratto e l’era Meiji, graffiti e stampa su blocchi di legno sono solo alcune delle influenze che caratterizzano le tele ultraterrene di Tomokazu Matsuyama.
L’artista newyorkese, che ha trascorso la sua infanzia tra il Giappone e gli Stati Uniti, e ha ricevuto un MFA dal Pratt Institute di New York nel 2004, si toglie il cappello sulla storia dell’arte e sulla cultura pop orientale e occidentale, toccando temi come l’identità culturale e la globalizzazione nell’era digitale.
Riconosciute per le loro ampie scale e per i toni pop fluorescenti, le creazioni di Matsuyama possono talvolta essere trovate in forme irregolari o suddivise in pannelli. Ha ottenuto consensi per installazioni scultoree in tutto il mondo, comprese quelle alla Shinjuku Station East Square di Tokyo (una delle s stazioni ferroviarie urbane più trafficate) e Beverly Hills, California. Le sue opere vivono nelle collezioni permanenti del Long Museum, Shanghai; Museo d’arte della contea di Los Angeles; Museo d’arte asiatica, San Francisco; la Famiglia Reale di Dubai; e pt. Leo Estate Sculpture Park, Melbourne.
Matsuyama evoca scene elettrizzanti che rendono omaggio al suo background biculturale, come evidenziato in Something Came Together (2018).
Motivi etnici e contemporanei radicano l’opera d’arte in una dicotomia culturale che offusca il confine tra l’interno domestico e l’ambiente naturale, un riflesso, forse, delle sfumature dietro l’identità interculturale dell’artista.
Xinyi Cheng
Attraverso tavolozze surreali, l’artista cinese Xinyi Cheng descrive diversi aspetti del desiderio e delle relazioni umane, esplorando l’intento e l’intimità attraverso rappresentazioni allegoriche che si nascondono in bella vista.
Cheng, che ha conseguito una laurea in scultura presso l’Academy of Arts & Design, Tsinghua University (2012) e un MFA in Programma multidisciplinare presso il Maryland Institute College of Art (2014), si distingue per uno stile sontuoso che le ricorda formazione in scultura.
I suoi personaggi sono voluminosi, esistono in un regno che è allo stesso tempo liscio e tridimensionale. Dopo aver completato un programma di residenza presso la Rijksakademie van beeldende kunsten, Paesi Bassi, nel 2017, si è trasferita a Parigi, dove ha iniziato a raccontare da vicino amici maschi trasformati in soggetti, chiedendo loro di mettere in scena una scena dalla sua memoria o immaginazione.
La sua estetica stravagante, che ricorda l’artista americana Elizabeth Peyton nel modo in cui commemora le figure della sua stessa vita, è diventata molto ambita, portandola a vincere il Baloise Art Prize nel 2019.
Cheng ha diretto mostre personali presso Lafayette Anticipations, Parigi ; Hamburger Bahnhof—Museum für Gegenwart, Berlino; Arte Basilea; Carlos/Ishikawa, Londra; Antenna spaziale, Shanghai; e Practice, New York, tra le altre importanti gallerie.
È stata anche membro di importanti mostre collettive in luoghi come The Renaissance Society, Chicago; Capitan Petzel, Berlino; Centrale elettrica dell’arte, Shanghai; Palazzo di Tokyo, Parigi; Galleria Gladstone, New York; e il Museo Frans Hals, Paesi Bassi.
In linea con i temi di Cheng, Aperitif (2018) punta i riflettori, anche se sottilmente, sulle relazioni queer.
I soggetti, due uomini a un tavolo, sono muti nella loro interazione l’uno con l’altro. Vestite nei toni dello Stige, sono messe a fuoco, mentre lo sfondo, sfumato di un rosso monocromatico, si dissolve nell’oblio.
La loro relazione, sebbene indefinita, è sussurrata attraverso gesti intimi. Eppure, la tela è carica di una chimica che elettrizza l’osservatore.
Salman Toor
I ritratti figurativi su piccola scala di Salman Toor sono uno specchio dei segreti poco conosciuti e dei ritmi diurni nelle vite cosmopolite degli uomini omosessuali di colore.
Nato in Pakistan, l’artista con sede a New York è noto per aver dato vita a protagonisti allampanati e dalla pelle castana che si dilettano in un mondo fittizio, spesso verde incandescente, ballando con abbandono, tenendo in mano calici di vino o semplicemente giocando con i loro smartphone.
I suoi temi ispirano e ossessionano, in un’esplorazione disarmante e onesta della comunità e delle viscere del pregiudizio.
Facendo un cenno a antichi maestri come Rubens, Van Dyck, Bernardo Strozzi e Antoine Watteau, Toor reinventa la ritrattistica europea del diciassettesimo e diciottesimo secolo proiettando uomini tradizionalmente emarginati attraverso il prisma di ambienti domestici familiari.
In alcune composizioni, le sue tele sono blasonate con spazi parabolici che sono emblematici di attesa, anticipazione e attesa gravida; di imminenti incroci verso una terra sconosciuta.
I suoi personaggi costruiscono e smantellano allegorie sociali che mettono in evidenza le differenze tra la società e la percezione di sé. In questi ambienti fantasiosi, si liberano dalle catene di lunga data della società . Toor ha conseguito un MFA in Pittura presso il Pratt Institute e un BFA presso la Ohio Wesleyan University.
Ha presentato mostre a Londra, New Delhi, Los Angeles, Lahore, Karachi e New York. si liberano dalle catene di lunga data della società .
Toor ha conseguito un MFA in Pittura presso il Pratt Institute e un BFA presso la Ohio Wesleyan University. Ha presentato mostre a Londra, New Delhi, Los Angeles, Lahore, Karachi e New York. si liberano dalle catene di lunga data della società . Toor ha conseguito un MFA in Pittura presso il Pratt Institute e un BFA presso la Ohio Wesleyan University.
Ha presentato mostre a Londra, New Delhi, Los Angeles, Lahore, Karachi e New York.
Le riflessioni sul tetto di Toor trovano espressione in The Rooftop Singer (2017).
Le tavolozze di afterglow dell’artista animano i personaggi immersi in un’intima serata musicale che appare quasi catartica quando le figure si appoggiano l’una sull’altra, cercando conforto in reciproca compagnia.
La musica qui è forse una metafora di un’identità diasporica collettiva che sfida gli archetipi della società , unendo le persone di fronte all’emarginazione.
Rafa Macarron
Le composizioni vibranti e simili a scarabocchi di Rafa Macarrón presentano protagonisti stravaganti che conferiscono magia all’ordinario e presentano le attività quotidiane su un piedistallo mistico.
Il dispositivo compositivo dell’artista spagnolo offusca il confine tra lo spazio bidimensionale e quello tridimensionale, creando un effetto in cui le sue figure sembrano fluttuare sulla superficie.
Fisioterapista per qualifica, Macarrón afferma: “Creare le mie figure allungate richiede conoscenza e rispetto per l’anatomia. Conosco perfettamente la struttura del corpo.
Poi, inizio a provare distorsioni e deformazioni, che penso funzionino molto bene. Sono in grado di creare i miei personaggi, ognuno con la propria anima e personalità ”.
I ritratti di Macarrón ricordano gli stili degli artisti spagnoli della metà del secolo come quelli di El Pasogruppo, insieme alle influenze della pittura figurativa europea. La sua prospettiva elevata e il campo dell’immagine schietto richiamano anche i temi urbani di Manuel Hernández Mompó e Jean Dubuffet.
Nonostante oa causa della qualità deforme dei suoi personaggi, le raffigurazioni di Macarrón ispirano tenerezza.
I personaggi sono il riflesso delle persone della vita dell’artista: passanti casuali che potrebbe aver visto per strada o persino stretti compatrioti nella sua stessa sfera.
Nel 2021, Macarrón ha esposto al CAC, Málaga, Spagna, seguita dalla prima mostra personale di un artista spagnolo a La Fundacion La Nave Salinas, Ibiza, Spagna.
Altre mostre includono anche Museo de Arte Contemporáneo, Alicante, Spagna; Museo DA2, Salamanca, Spagna; e il suo lavoro è esposto in istituzioni come l’Hudson Valley Center for Contemporary Art, New York; Fondazione BMW, Spagna; Caja Campo, Valladolid, Spagna; e Colección Mercadona, Spagna; tra gli altri.
In Matilda (2018), Rafa Macarrón dà vita a un cast di personaggi in quella che sembra essere una stanza chiusa o, forse, un ascensore.
L’ambientazione fluorescente mette in risalto figure che sono ciascuna per sé, ignare dei loro vicini.
Mentre una creatura fuma una sigaretta, un’altra si crogiola sotto le nuvole, mentre una terza ha un’espressione divertita mentre scruta verso l’esterno.
Una creatura rosa a forma di dinosauro è al centro della scena, evocando un mondo utopico che resiste alle regole.
La scena allo stesso tempo aliena e familiarizza l’osservatore, evocando un senso di meraviglia infantile.